谈钢琴演奏中的速度,本文是钢琴方面在职研究生论文范文和钢琴演奏和速度有关毕业论文模板范文.
钢琴论文参考文献：
一、速度标记的意义
“速度”一词在音乐作品中表示一个基本拍的时间长短.不同情绪风格或体裁的音乐都在速度上体现出不同程度的差异,或者也可反过来说,速度某种程度决定了一首作品的基本情绪风格.演奏前明确一首乐曲的速度对于作品的整体理解和诠释十分重要,它往往通过作曲家在乐谱上的明确的速度标记提出一个作品所要求的速度范围.不同速度要求下的基本拍时长不同,如果同为四分音符,那么它在快板和慢板中的时长就相差甚远,当然是在快板中要短得多.对于各种速度标记所指向的基本拍的时长,一般有一个较小的范围区间,它们是按照一分钟可以弹奏多少个基本拍来计算.事实上,早在17世纪,欧洲作曲家便开始在乐谱上以意大利语标记乐曲速度,这些标记很多都是原意为表情用语的词语,所以当它们用于提示演奏时,应指一个可以制造这些情绪的相对速度.不过,对于速度概念把握还不够清晰的演奏者,应该先通过梅尔采尔节拍器中的各个速度标记对应的具体拍数时长来建立基本的速度概念.
二、速度的统一、变化及缓急法
（一）速度的统一.一般在没有新的速度标记出现之前,应在之前速度标记指示下,始终保持演奏速度的统一性.对于速度统一性的要求其实并不难接受,只是很多情况下,演奏者并不是在自身意识到的情况下失去统一性,而是常常因为音乐情绪的改变、力度的改变、织体音型的改变、奏法的改变、触键的改变等,不知不觉地慢下来或快起来.这首先源自演奏者对各种速度概念不清晰和对速度的感知不敏锐,然后,也源于演奏者对待音乐处理的一贯态度,最后也可能受技术条件的影响.针对类似的情况,首先需要培养正确的速度观念,意识到音乐的处理在速度上不能过于随意,在演奏和练习中随时保持对速度的关注；然后可以通过节拍器的辅助,反复巩固内在的速度概念；对于速度感知的问题,也可借助节拍器,但是一定要分段式地局部进行核对,不建议通篇不间断地使用节拍器,原因很简单,音乐任何时候都不是机械的；还可以通过练习录音的回放来客观认识在速度上存在的问题,进行校对和调整.至于技术条件问题,只能先解决技术困难,如果实在解决不了的,就按照困难片段的适应速度来弹奏整曲.
（二）速度的变化.自古典主义时期开始,乐曲中一般都会出现一些或长或短的速度变化.在古典奏鸣曲式中,已经出现许多指示速度临时变化的标记.用以提示某乐句的局部小范围临时速度变化,并且在随后以a tempo提示还原至变化以前的速度.这类标记的诠释要注意两点：第一,区分它们强调的速度变化方式,是直接的还是渐进的？第二,把握它们在速度变化上的程度与节奏.一些关于速度较大范围地变化的标记,通常标记在一个有显著情绪变化的乐段开头,或者三段体的对比中段.这类变化速度标记的乐段中,从乐段的一开始便直接进入快一些或慢一些的速度,然后始终保持,直至这个乐段结束.至于速度变化的程度,应该依据音乐情绪特定需求或者在对比程度上的需要来确定.变化的节奏应考虑变化的程度、渐进的幅度在整个时间进程中的合理分配.
（三）缓急法的运用.在音乐的表演中,有一个非常具有音乐的艺术性本质特点的表演术语——agogic(缓急法）.它表示在演奏中,不是因为音乐正常的节拍律动、而是由乐句的性质而产生的稍慢、稍快、停顿、rubato（伸缩）等音乐性处理.换句话说,它是从实际操作上涉及了速度的一种旋律的表情处理.
在近年的一些音乐表演研究中,也将这种处理称为演奏中的速调,以此来强调因旋律的内部结构特性、音乐语气、表情要求所形成的在音的进入时机上的演奏个性化处理.缓急法的运用通常是为了勾勒出某种乐句的轮廓,其中包括强调某个音、加剧进行的紧张度、渲染音调或其他材料组织上的某种强烈的方向性.在强调某个音的情况下,可以是延缓的,也可以是推进的.这两种处理都可能发生在乐句进入的音上,也可能在乐句的中心音上,还可能是在某个具有明显跳进或者不协和音程进入时.在加剧进行的紧张度情况下,通常是推进的,也有在最后关键的音出来前延缓的.在方向性的渲染上,则要根据音乐情绪发展方向的引导和需要,作对应的处理.
总之缓急法的运用是围绕乐句的外部轮廓与内部结构的特征来进行的,并且必须基于不破坏音乐的整体性、律动性以及乐句的流畅性原则,绝不能过度地使用.它一定程度上有点类似人并不为日常生活所察觉的自然呼吸,在情绪的主导下它的确发生了轻微变化,只是与整个机体此刻发生的其他表现有机融合后并不为我们所察觉.所以在音乐中,随着缓急法的处理,音高、音强、音色,以及旋律音调自身的样式,都在速度细微变化的同时,被听众一起接收,从而听众并不会意识到有一种额外的速度改变,而是将其看作一种与自己心理期待相符合的发展.
参考文献：
[1]李君.钢琴演奏效率分析[J].嘉应学院学报,2005(04).
[2]方岳民.钢琴艺术的创新方向[J].零陵学院学报,2005(03).
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