给未来的艺术家的忠言良药,本文是关于艺术家学年毕业论文范文跟忠言良药和艺术家和忠言有关学年毕业论文范文.
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当今艺术学院林立,每年成千上万的学子报考,坊间更有无数的艺术培训.经济繁荣而艺术勃兴,学子需要前辈金针度人,台湾知名艺术评论家何怀硕在《给未来的艺术家》一书自序说：“任何世代总有许多热爱艺术的朋友,怀着对艺术的渴慕与追求的热忱,希望得其门而入.然而不少人踟蹰、彷徨,无所适从,甚至焦虑、失望.一下为李怀硕在《给未来的艺术家一书》中的观点给出.
问：今天做一个艺术家,与过去有什么相同？
答：艺海茫茫,而时代巨变.今天做一个艺术家,与过去大不相同.比如过去的文人,寒窗苦读十年书,便算饱学之士.今天信息、知识之广之多之快速,没有古今中外的视野,没有追逐时代文化变迁的勤奋,很容易孤陋寡闻,抱残守阙,不能与时代脉息相应.如果对过去的传统认识不足,自己的定见不坚,面对五花八门的时代浪潮,便很容易迷失自我.所以当代的艺术家比古代艰难,因为时代社会的变迁脚步太快了.不过,当代的优点也不是没有.信息发达,参考数据易得,艺术品与有关出版品或信息很容易接触到,中外交通便利使我们见闻丰富,这都是过去所不具备的良好条件.如何有效地利用这些时代的优势,正考验我们的智慧.然而,技艺易学,智慧的形成倒是需要更深的基础.
问：艺术界爱讲“天才”,到底何为天才？
答：拜伦与李贺英年早夭,属于早熟的天才；画家莫迪里阿尼与清末的任伯年都在短促的人生中才华毕露.但歌德的伟大作品《浮士德》写了六十年才告完成.近代中国大画家齐白石与黄宾虹,不到十岁（他们都活到九十多岁）,其天才的峰顶尚未出现,可能便只是一个不重要的中小画家而已.天才既有早熟,也有晚成,我们更无从知道自己到底是不是天才.我们不应相信生而知之、不学而能的神话,只管以热诚、毅力与不求功利之心去追求.
问：中国画坛特别讲究师承与门派,我们是否要拜名家为师？
答：我们须知每个人不一定有幸能遇得到一位名家为师.谁能得到吴昌硕、齐白石、傅抱石,或者塞尚、梵高、克里木特等大画家为师呢？况且若有幸遇到,问题仍多着：第一,大画家不一定肯当老师教你学艺；第二,他们是大画家不一定就又是最好的教师；第三,跟他们学,能学到手的只是一套形式技巧,所谓‘传衣钵’,都只是技艺.但你不是他,即使得其衣钵,在艺术创造的价值上也毫无意义,因为完全丧失了自我.所以大师的学生或后人,若不能另起炉灶,走出自己的路,艺术成功的可能性还不如一般人.大师的后人与学生,很难有独立的风格,往往成为‘副本’.这种例子多得很.”诚哉斯言,放眼中国画坛,“小齐白石”、“小小傅抱石”、“小小小徐悲鸿”何其多！一时间似乎“大师满街走”,可是又有多少“小师”梦醒呢？
问: 怎么看待艺术界的老师？
答：出名的画家不一定必然是最好的老师；反过来,艺术修养深广的、造诣超过他个人艺术创作成就的人,也可能是很好的老师.……好老师要有中外艺术的修养与品味,要有知识与表达能力,要能因材施教.他自己艺术创造成就很高当然更好,但更重要的是他堪为良师,他会辅导有希望的学生完成自我.
西班牙毕加索美术馆,有毕氏青年时代的许多画,简直是印象派早期画家的翻版.毕氏以革新、反叛傲然独立于西方现代画坛,但他年轻的时候居然有那样模仿前辈的作品.梵高也曾临摹日本浮世绘,那更是跨文化的模仿.吴昌硕、齐白石也有不少模仿（有的根本是临摹）八大山人的画.傅抱石早期学石涛.都是对前代大师的模仿.林风眠的花鸟人物,明显的从民间瓷器大写意的书法学习、转化而来.同时他也受马蒂斯、莫迪里阿尼的影响.模仿可以是创造的起步或基础,却不等于创造.模仿与创造似乎是矛盾,但是正确的运用、发挥模仿的功用,模仿便成为创造的媒介与创造的起因.
问：中国画怎样才能走出自己的特点？
答：中国画面对前人的作品临摹,西洋画则面对自然物象临摹,这都是入门学习的方法之一.以潘天寿“背临八大”画作进行分析：八大原画圆润、浑穆,用笔如行草.潘天寿这一幅凝练、矫健,用笔如篆书,多金石美感的趣味.而两幅在简练、生动,不重细节重神韵上则相似.古人说‘师其心,不师其迹’,在这里可以领悟是怎么回事.而中国艺术学习中的所谓‘临摹’的意义与多种方法,也可以得到启发.临摹与写生一样,也可以有‘创造’的可能.但中国画因为把临摹当目的,陈陈相因,大批大批近乎复制的作品充斥人间,使中国绘画相对西方绘画不但在艺术价值上,而且在市场上完全不能相提并论,都与此有关.我们应好好认识临摹的真义,正确把握其正面意义,消除其流弊,中国水墨画才可能有摆脱陈腔滥调的泥淖,提高艺术品质的可能.
问：怎样能形成大艺术家的风格？
答：傅抱石喜画雨景,他的雨景以胶矾水甩于宣纸上成条状排列的许多“点”,再以水墨渲染而显出白色的雨.这是前人所未有的表现方法.黄宾虹则惯用层层重叠的“积墨法”以及“破墨法”（以墨破水,以水破墨）.他用墨之变化多端,深沉厚重,在中国画史上,比古代用墨最富变化的画家（如石溪、程邃、龚贤、石涛等）超越许多.我常说中国水墨画中,墨法复杂丰富以黄宾虹为最.张大千泼墨画喜欢以石绿、石青、朱砂等矿物颜料倾泻于重墨之上,形成流动状态,色彩艳丽,甚为醒目,变成他媚俗的“招牌菜”.吴昌硕以篆书笔法写竹木,以金石之古朴苍劲营造气韵,以篆刻布局作构图,形成他“金石派”独树一帜的风格.齐白石则喜欢以日常生活平凡的物象作画,比如鱼虾青蛙、锄头畚箕、算盘、不倒翁、山花、小鸡、酒罈等.由艺术家与众不同的风格,从大的方面到极微小的地方,都是个人显示风格该留心的范围.各有慧心,大小兼顾；各有巧妙,并无公式可循.你若能触类旁通,举一反三,你便知道如何发挥自我的种种可能,千方百计,不甘为既有模式所束缚,也不愿为前人之奴,为的是显现一个鲜明的“我”.
问：怎样看待写生等对艺术成长的帮助？
答：有些画家一辈子在写生.世界名胜古迹,名人*,奇花异卉,珍禽猛兽,尽收笔底.这种画家永远只有写生的习作,可就是永远没有创作.写生中创作,要达到像塞尚、梵高、莫奈,像石涛、龚贤、黄宾虹、李可染等名画家那样,他们的“写生”才达到艺术的境界.那种作品,其实已不能称为单纯的写生,因为所写的物象只是表现他们的思想感情的“材料”而已.他们从客观世界采集了材料,在主观的加工之后才诞生了创造.
我大学三年级的时候,有幸认识一位华裔美国学生,名叫宋汉西（James H. Soong）,他是斯坦福大学中国美术史研究生,后来得到博士学位.他六十年代来台湾学中文并收集有关中文资料.他是最早赏识我、鼓舞我的同道友人.他建议我要为每一件创作做记录.自那时起,至今三十多年,我每一件创作都有完整的记录,应该感谢他的提示与建议.回顾千年画坛,中国画家都忽略了自我创作记录的工作,以致后代美术史的研究与画家研究十分困难.中国画家尤其没有兴趣自己建立作品记录.因为许多不严谨的应酬之作、卖钱之作草草完工,固然不愿意也不值得自留记录.比较用心的作品,也多为雷同或重复制作,专画马、牛、老虎、老鹰、麻雀等画家,或者“秋山论道”“松下高士”“柳荫美人”等画举目皆是,所以也不想记录.
问：我们怎么看待中西方绘画,西方绘画对中国画有什么值得借鉴之处？
答：常玉是二十世纪旅外中国画家中最具中国风格的一位,他的画从被忽略到近二十年逐渐受到重视与肯定.我在三十多年前看到他的油画,便认为他是有意开创中国风格油画的画家,对他有特殊的敬意.可惜常玉的画风只开了个头,还未达到成熟的高峰便去世.他在巴黎的生活潦倒散漫,画画的材料极低劣,影响了他的画的品质,是一大遗憾.而许多“国画”了无新意,既无时代精神,又缺乏个人独特性,因之本土艺术也渐渐僵化而失去创造的生命力.这也恰好是“全盘西化”的最佳土壤.在何怀硕看来,二十世纪下半叶西方尤其是美国“超写实主义”有如飞来一片乌云,“我们晓得这一片乌云迟早要消逝,正如二十多年来抽象主义、硬边艺术、庞图美术运动,超现实主义、波普、欧普艺术等浮云一样,终归是一时的风云过境而已.”一句话,“传统艺术要现代化,外来艺术要本土化”.
问：怎么看待艺术的商业化？这个过程中我们应该注意什么？
答：商业化与大众化成为时代主流的结果,在当代就是川普取代杰弗逊；哈利波特取代莎士比亚；沃霍尔取代了伦勃朗；村上春树取代夏目漱石；女神卡卡之取代卓别林；九把刀、韩寒取代了梁实秋……当代因为一切产品都商业化,文学艺术电影等成为娱乐的商品.商品的目的在谋利,便不能高唱“阳春白雪”,而要取悦“下里巴人”,所以大众化是文艺低鄙化、粗俗化的关键.
继承中外古今的艺术资产,从传统出发,但不抄袭,不人云亦云；忠于你所生活的时代与文化,真诚地去表现你自己所见、所闻、所感、所思,表现你自己的独特性与创造性.不受蛊惑,表现你自己,这是任何时代的艺术家永远不变的信条.
世间多少画师教给徒弟的是绘画的技艺,而往往忽视艺术背后还有潜移默化的温情与敬意.艺术家根本上是一个热爱世界,关怀人与宇宙,对与人有关的一切都有高度热情的人.有这种胸怀,专门的技巧才能发挥作用；如果缺欠这种胸怀,那只是工匠.许多人追求艺术而艺术离他甚远,就是这个缘故.（本文根据李怀硕同名文章改编）
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